Brian Eno Imaginary Landscapes

David Lynch on Consciousness, Creativity and the Brain. Meditation

Mouchette, Robert Bresson, 1967

Mouchette: Girl, Interrupted

By Robert Polito

“Between thought and expression”—as Lou Reed wrote in the Velvet Underground song “Some Kinda Love”—“lies a lifetime.” Mouchette, and maybe all Robert Bresson’s inexhaustible, majestic films, transpire in that puzzling space “between,” that incalculable “lifetime.” How, for instance, does a director as visually acute as Bresson and so insistent on “the resources of cinematography and the use of the camera to create” also imply the urgency of the unseen, the ineffable, the otherworldly? How does a filmmaker so attentive to metaphysical demands honor the press of our physical existence, whether everyday or tragic? The marvel of Mouchette inheres in the elegance, obstinacy, and capaciousness of Bresson’s double-mindedness. A rape edges into tenderness, suicide emerges as at once holy and appalling, and scene upon scene invokes, simultaneously, spiritual despair and an afterlife.

Mouchette (1967) was Bresson’s final black-and-white film before he switched over to color for Une femme douce, in 1969. And there are vestiges throughout of the mournful, formally exacting work he created during the 1950s and 1960s, as well as intuitions of the tonal complexity and even fiercer pessimism that infused his late style. Mouchette herself is at least as solitary as Michel in Pickpocket (1959), and her village proves as claustrophobic as Fontaine’s prison cell in A Man Escaped (1956). Like Diary of a Country Priest (1951),Mouchette tracks hereditary alcoholism in the “malicious” French countryside, and Bresson adapted both movies from novels by Georges Bernanos, a gifted exponent of what he designated “Catholic realism” and also the author of the libretto for the Francis Poulenc opera Dialogues des Carmelites. Shooting on Mouchette started soon after Bresson finished Au hasard Balthazar (1966), and Mouchette seems a combination of the suffering Marie and the donkey, Balthazar, much as the hunting (rabbits) and poaching (partridges) episodes once again analogue human and animal misfortunes.

Yet Mouchette registers a departure from early Bresson as much as a summing up. Philosophically, or theologically, suicide no longer arises as inevitably redemptive, as purely (in novelist Dennis Cooper’s tense phrase) “a tragic segue into the comforting delusion of heaven.” Mouchette foretastes the desperate convulsions of Bresson’s last films, The Devil, Probably (1977) and L’argent (1983). There are also prickly cinematic variations and reversals. A distinguishing gesture of A Man Escaped, Pickpocket, and especially Diary of a Country Priest involved the repetition, sometimes the tripling, of an event—we see a close-up of a handwritten notebook page; then listen as a voice-over speaks the words; finally, someone performs the actions we have just heard and read. For Mouchette, Bresson folded this stylistic signature inside out, and instead of reiteration advanced a sort of stutter step, often signaled by a disruption of image and sound.

A brief prologue introduces this oblique sound-image design and lodges a story line in the form of a question. The scene, the film in miniature, enacts a riddle of presence and absence. A woman we later recognize as Mouchette’s dying mother abruptly sits before us, crying, talking. “What will become of them without me?” she asks. “I can feel it in my breast. It’s like a stone inside.” The woman rises, but Bresson’s camera, instead of following her, stays fixed on the spot she has just departed, inside—we now discern—a church. Against the vacant frame we hear the loud click-clack of her shoes as she walks away, and then Claudio Monteverdi’s Magnificat. The rest of the film tracks a reply to her tearful inquiry, perhaps her prayer, about the fate of her family, particularly her daughter Mouchette. But on subsequent viewings, after we understand who the woman is and her situation, cruxes still abound. The “stone” indicates her fatal physical illness, yet isn’t the word also emblematic of the adamantine misery that numbs her family, the entire town? Does the empty frame betoken, as the Magnificat hints, her ascent into heaven? Or do empty frames anticipate greater, possibly eternal, emptiness, as the disappearing footsteps suggest? She can’t go on with the world, the prologue further proposes, yet the world can go on without her.

Mouchette arranges a disquieting mix of naturalism and disorientation. The vistas of the film look matter-of-factly impoverished, brutal, and desolate, but Bresson recurrently shuns transitions, radiates noises—voices, trucks, a baby—independent of visual sources, and insinuates reactions prior to causes. “The ear goes more toward the within, the eye toward the outer,” Bresson remarks in Notes on a Cinematographer. “The eye (in general) superficial, the ear profound and inventive.” Like her mother, and as if in prediction of her suicide, Mouchette tends to exit the frame before Bresson cuts to the next shot, though from the outset she comes across as earthy rather than ethereal, her body hugging the ground, as when she crouches along a roadside to toss mud at her classmates, stomps her feet in a puddle, grinds dirt into a fancy carpet, or rolls downhill into a pond. In her oversize clogs, Mouchette always seems off-kilter, as Bresson’s strategy of low shots—legs, hands, skirts, shoes—disorders her childhood. Even her time line is unsteady—the music during the bumper-car interlude at the local fair secures a 1960s setting, but inside her destitute house it might as well still be World War II.

The coordinates of Mouchette are drinking and male power. Mouchette’s father and brother haul contraband liquor and grimly toast in celebration of their delivery. Alcohol is consumed before and after Sunday worship. The poacher, Arsène, drains his canteen of gin when he rapes her, and his bloody fight with Mathieu, the gamekeeper, dissolves into amiable imbibing. Her mother asks for gin on her deathbed, then warns Mouchette, “Make sure you never get taken in by lazy workmen or drunks.” In his novel, Bernanos links the rape to her other travails as the child of a dipso­maniac: “It was like one of those endless nightmares of uniform horror which, as a real alcoholic’s daughter, she often had to endure throughout a whole night and whose full memory only really came back much later, at supper time, when she had carried it with her all day like an invisible animal attached to her body.”

Sexual aggression and masculine bluster infect the countryside like a congenital defect. Early on, some boys expose themselves to Mouchette, and later call her “rat face.” Her father shoves her twice, first into church, and then as she flirts with a young man at the fair. Mathieu trails Arsène not so much for his illegal traps and snares as for their rivalry over Louisa, a dour bartender. There is a mechanical core to this antic, destructive motion—Mouchette’s father keeps on driving after he has collapsed onto his bed, improvising a steering wheel from his cap. The women of the town, too, absorb this lurid poison. “Little slut,” a shopkeeper snaps at Mouchette, observing the telltale scratches on her chest.

For Mouchette, love, sex, empathy, service, humiliation, and force are all bound up together. Although a child, she functions as caretaker for her family, yet she is an unseasoned, lackadaisical steward, spilling coffee and milk, and sloppily swaddling her baby brother. Her response to her mother’s death is to fall asleep. Bernanos renders Mouchette’s encounter with Arsène as a continuation of the cruelty she suffers at home: “In her child’s mind, the memory of that violence was somehow mixed with that of many others, and her reason could scarcely distinguish it from her father’s savage beatings.” But Bresson’s bleaker vision here always sees double. He deftly affirms Arsène as an alternative to her domestic violations, as well as their latest installment. Arsène manifestly wishes to protect Mouchette, even as he attacks her. She identifies with Arsène’s troubles and his revolt, hugging him finally while he struggles on top of her.

From the drinking to the violence, the strangled birds to the wounded rabbits, Mouchetteinscribes a fever dream. Long shots that overwhelm the human actors with landscape play against close-ups that block perspective. Inside and out, there is always a “cyclone,” as Arsène and Mouchette naively tag the storm that agitates their world. Mouchette apprehends her future in the hunted creatures, but also in Louisa’s drudgery, her mother’s sickness, and Arsène’s shame. Her parents, the teacher who yanks her by the neck over to the piano as though she were one of Arsène’s partridges, the old women who demean and mortify her, Mathieu—the figures of ostensible authority are suspect, tainted, their morality indistinguishable from neurosis, terror, and self-delusion.

Mouchette twice tries to tell her mother what happened to her with Arsène during her night in the woods, but each time she stops, interrupted by a crying baby and by her mother’s passing. Because of her suicide, Mouchette’s life is another interrupted story—and Bresson doesn’t show us an image of her body entering the water, recording instead the sounds of her splash. The Magnificat returns as the camera lingers over the space that she, like her mother at the start of the film, has now vacated, an empty frame. Once again, we might view this as Mouchette’s release, as a gift, but if her death is akin to grace, Bresson never lets us forget that her suicide is also desperate, pathetic, a dead end.

A poet and essayist, Robert Polito is the author of Savage Art: The Biography of Jim Thompson, which received the National Book Critics Circle Award in biography, among many other books.

The Twilight Falling Brown. Isle of Wight winter pictures and music by Max Yakin Bozek

Where Is My Mind (Pixies Piano Cover)

I believe this would bring a smile to Mozart's face and perhaps a tear knowing that beautiful music still exists 200 years after his death.

Music from Maxence Cyrin's new album "Novö Piano".

Original song from the classic Pixies album "Doolittle".
Scenes taken from "The mysterious Lady" (1928) with the great Greta Garbo.

Tags: Music The Pixies Where is my mind Maxence Cyrin piano cover nouvelle vague greta garbo Doolitlle rock punk classic

Are You The Favorite Person of Anybody? (Miranda July)

Directed by Miguel Arteta  /  Written by Miranda July
Starring John C. Reilly, Miranda July, Mike White and Chuy Chavez.

A man with a clipboard asks passersby a survey question: “Are you the favorite person of anybody?".

The point is there are three types of people in this context: The first one assumes she is and then when she thinks about it properly, she realises she might not be; she's slightly self delusional, a bit narccisistic. The second type is the modest guy; the realist, who doesn't need to feel loved to be secure. The third guy doesn't want to think about it, 'cause the answer might annoy him. He's quite closed and bottles up emotion.

Tags: miguel arteta miranda july john reilly mike white Wholphin McSweeneys Survey Film Screening Room Film & Animation

Entrevista a Peter Joseph (Director Zeitgeist Addendum) en Castellano

Entrevista a Peter Joseph (Director Zeitgeist). Con subtítulos en español)

Zeitgeist - The Movie - by Peter Joseph

[posteo de hace 2 años atrás: corregimos el link que había caducado y lo volvemos a postear actualizado, con el mismo texto de entonces]

Se trata de un documental que vi y me dejo bastante triste y feliz a la vez. Triste porque trata sobre una realidad de la que venimos, vivimos y vamos a vivir, NO muy grata de aceptar; (pero cierta, al menos para mi en un 99%). Y feliz porque es la primera vez que veo que algo como esto empieza a circular.

El documental es la primera película de Peter Joseph y se llama "Zeitgeist". Lo bueno es que se puede ver y bajar gratis a dvd por Internet (y hasta con subtítulos en castellano) porque fue hecho sin ánimos de lucro. Entiendo que este tipo de investigaciones ayudan a tener una visión más crítica y activa sobre las supuestas verdades que las Instituciones y los Mecanismo de Poder intentan imponernos y solemos aceptar sin demasiado cuestionamiento.

Les recomiendo se busquen una silla cómoda, y se tomen unas horitas pues dura y 1 hora y 50 minutos.

¡Para verlo, hacer clic AQUÍ!

Brett Anderson - Love Is Dead (Full Video)

He is BRETT ANDERSON now, not singer of SUEDE anymore!

Yup, he is old now, yup, he is not glamorous now.
everybody grows old, everybody has different stage in life.
he is sophisicated now, he is profound now.

He still loves music, we still love him.

Morton Feldman : The Rothko Chapel

Morton Feldman (1926-1987) fue un destacado compositor norteamericano, conocido por algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de muy larga duración y para inusuales agrupaciones de instrumentos.

Nació en la ciudad de Nueva York, el 12 de Enero de 1926. Estudió piano con Madame Maurina-Press (alumna de Ferruccio Busoni) y más tarde, composición con Wallingford Riegger y Stefan Wolpe, al que dedicó posteriormente una de sus más destacadas obras. A pesar del aprecio que sentía hacia sus profesores, discrepaba acerca de sus teorías sobre el arte musical, y solía discutir con ellos durante largas horas. Fue un compositor muy de su tiempo, que sin embargo cultivó un estilo muy personal y diferente con respecto a la mayoría de los compositores de su entorno.

En 1950, y durante la audición de una sinfonía de Anton Webern a cargo de la filarmónica de Nueva York, conoció a John Cage, una de sus máximas influencias a lo largo de su vida. Los dos llegaron a ser buenos amigos, y a raíz de este encuentro, Morton Feldman comenzó a escribir piezas que se alejaban de las formas musicales clásicas y modernas (como las técnicas seriales, tan en boga por aquellos años). Experimentó con sistemas alternativos de notación musical, como sus “piezas gráficas indeterminadas”, donde sólo especificaba los timbres y el registro, dejando el ritmo y las notas a elección del intérprete. En esta época, también trató de aplicar elementos de la teoría de probabilidades a sus composiciones, inspirándose principalmente en obras como Music of Changes, del citado John Cage. A mediados de los años 50, y por necesidades de precisión en su música, vuelve a la notación tradicional.

Siempre a través de Cage, Feldman conoce a algunas de las más importantes personalidades de la escena artística neoyorkina, en la que por aquellos años destacaban Jackson Pollock, Philip Guston, Frank O’Hara y Samuel Beckett. Especialmente, se sintió fascinado por el primero y sus colegas; sus pinturas, enmarcadas dentro del expresionismo abstracto, se convirtieron en una nueva gran inspiración para él. A partir de ese momento, intentará extrapolar las pinturas de estos artistas a sus composiciones, tal y como queda reflejado en su siguiente comentario:

«Me interesa la dimensión global de Rothko, que anula el concepto de las relaciones entre proporciones. No es la forma lo que permite a la pintura emerger; el descubrimiento de Rothko ha sido el de definir una dimensión global que sostiene los elementos en equilibrio… Soy el único que compone de esta manera, como Rothko: en el fondo se trata solamente de mantener esta tensión, o este estado, a la vez helado y en vibración».

Durante la década de los 70, y casi siempre con esta idea en mente, escribió un buen número de piezas, entre las que destacan Rothko Chapel (1971), pieza escrita para ser interpretada en la capilla diseñada por Rothko, Frank O’Hara (1973), y la ópera Neither (1977), que dedicó a Samuel Beckett.

En su última etapa, Feldman comenzó a producir sus propios trabajos. Quizás sea su periodo más denso y oscuro, donde su música alcanza cotas místicas de irrealidad, con largas composiciones que frecuentemente superaban la hora y media de duración, llegando incluso a las cinco horas en String Quartet II (1983). Es esta una de las obras más memorables del compositor, a pesar de que su primera interpretación completa no pudo escucharse hasta 15 años después. For Philip Guston (1984) y Violin and String Quartet (1985), de 4 y 2 horas respectivamente, fueron otras de sus obras destacadas de esta época. En todas estas piezas, Feldman llevó hasta el extremo las influencias de sus cólegas expresionistas abstractos, interpolando temporalmente las grandes superficies de Pollock y Rothko a sus composiciones, lo que explica su larga duración. Ausencia de climax, disonancia, serenidad y notas prolongadas hasta el infinito son algunos de los atributos comunes que caracterizan a estas piezas, las más recordadas del compositor.

Morton Feldman muere en 1987 en Buffalo (Nueva York) poco tiempo después de su matrimonio con la compositora Barbara Monk.

Festival de Cine Alemán en Madrid

Con Nanga Parbat ha comenzado la XII edición del Festival de Cine Alemán en los cines Palafox, de la calle Luchana.

El film de Joseph Vilsmaier (el de la derecha) está basado en la historia de Reinhold Messner (no es la de la izquierda) y su travesía más allá de los 8mil metros. Allí Reinhold perdió a su hermano Günther y fué acusado por muchos años de haberlo dejado morir, hasta que reapareció el cuerpo por debajo de la nieve y se pudo demostrar su versión de los hechos. Este año se cumplen 40 desde que murió.

Luego de la proyección tuvo lugar la rueda de prensa, donde estuvieron presentes, además del director y el alpinista, la señorita Cristina Calatrava, amiga y colega que ha sacado la foto y me la ha pasado con la siguiente reseña que copio a continuación:

«La película me ha gustado, pero sin embargo no me parece que esté destinada a convertirse en película de culto como se dice en el mail informativo de Nanga Parbat. Tiene unas impresionantes imágenes pero la historia para mí se queda fría en el modo de tratar las relaciones entre los personajes.
Cuenta la subida de un equipo de alpinismo entre los cuales se encuentran los hermanos Messner al Nanga Parbat, la novena montaña más alta del mundo, y el descenso y supervivencia de uno de ellos. Puede que esa frialdad se deba a que la película se centre más en enaltecer ese tipo de alpinismo más puro frente al alpinismo que se practica hoy en día (tema del que se estuvo hablando en la rueda de prensa y que parece que irrita y preocupa a Reinhold Messner). También trata destacadamente las penurias por las que pasó Reinhold, su hermano, hasta llegar a reencontrarse con el campamento base (que justo salían dejándolos ya por desaparecidos...).
En fin, que he pasado frío, dolor, he pensado que morían más de una vez, he sentido la aventura alpinista y finalmente la película consigue dejar claro que Reinhold no dejó morir a su hermano y que hizo todo lo que pudo al límite. Pero al mismo tiempo esta relación que es la que lleva la voz cantante de la historia no es tratada con la misma importancia que la expedición en sí.»

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Pues bien. en unos días iré actualizando, y a ver si tenemos la suerte de dar, en esta edición, con una de esas especiales películas que terminan siendo de culto (al menos para mí), como me ha pasado en otros años del Festival.
Por si a alguno le interesa: www.cine-aleman.com

The Smiths - Frankly, Mr. Shankly

Katy Bacon, Jack Chamberlain and Tom Gilbert present: The Smiths - Frankly, Mr. Shankly. Filmed on location in Worcester, England on March 24th 2008.
The Smiths were an English rock band active from 1982 to 1987. The group was based on the songwriting partnership of Morrissey and Johnny Marr. They may be gone, but their legacy remains… And we still hope for a reunion.
Tags: Music The Smith Videos bohemia visual music afterdark brit pop rock emo alternative UK Manchester indie live video

A Los Gauchos Psicomísticos del Miasma en vivo en la FLA | Ciclo de música experimental

Luego de la última seguidilla de shows orquestales en casas y galerías de arte, volvemos con todo el power a la escena del punk rock más ruidoso y acérrimo; nada más y nada menos que en nuestra queridísima y bienponderada FLA (Federación Libertaria Argentina). Cerraremos el ciclo de Eu!Zine, festival de música noise y experimental donde musicalizaremos la genial película Flaming Creatures (1963) de Jack Smith. Y ojo, que haremos mucho punk y mucho noise, pero como siempre, también pelará sutilezas nuestra sección de cámara con sus bellas sinfonías y delicias ambientales. Antes que ALGPM (nosotros) van los sacados Hipnoflautas (muy recomendable banda). Así que será una preciosa velada para viajar un poquito al más allá sin necesidad de trasladarse físicamente a ningún lado; bueno, sí, a la FLA!  :) Los esperamos!

pd: adjunto algunos volantillos que nos van llegando desde distintos varios lados.

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Act Ki (Thrash / Lo-Fi / Punk)

Hipnoflautas (Psicodelia / Espacial / Trastornada)

A Los Gauchos Psicomísticos del Miasma

(Música Concreta / Post Kraut / Minimalista)

Ciclo Eu!zine presenta: 29 de noviembre, 19:00 hs. Entrada libre!

Federación Libertaria Argentina. Brasil 1551, San Telmo.

 

La Orquesta Rizomática ALGPM* en su versión 'punk de cámara' irá así:

Sami Abadi: Violín Eléctrico y Dirección Orquestal

Max Yakin Bozek: Piano y Sintetizadores

Santiago Doljanin: Artefactos Imposibles

José González: Bajo Locomotora

Alejo Barberis: Batería y Percusión

Sebastián Desalvo: Melódica y Mbira

Fermín Kehoe: Flauta Traversa 
Carolina Cuevas: Clarinete

María Fernanda Flores: Viola

Andrea Ojeda: Violín

 *A Los Gauchos Psicomísticos del Miasma

( www.myspace.com/gauchotica )

The Smiths - The Boy With The Thorn In His Side

The Smiths were an English rock band active from 1982 to 1987. The group was based on the songwriting partnership of Morrissey and Johnny Marr. They may be gone, but their legacy remains… And we still hope for a reunion.

Tags: Music The Smith Videos bohemia visual music afterdark brit pop rock emo alternative UK Manchester indie live video

Greg Anderson plays Gyorgy Ligeti's Etude 13

Imagine: You're in hell, and you want to get out. Piano Etude No. 13, "The Devil's Staircase" (L'escalier du diable) composed by Gyorgy Ligeti, performed by Greg Anderson. www.andersonpiano.com

John Cage's audiovisual performance

I'll admit, it looks daft, if it wasn't for the likes of him, we wouldn't have the freedoms in music we have today. This was going on long before 'Tangerine Dream' and your 'Kraftwerk' groups...
What's more, if you think it looks insane today, imagine what people at the time thought of his work!


tags: video dance performance music noise avant garde experimental film

Animal Collective - Peacebone

Y ya casi llegando diciembre, me anticipo a la lista definitiva con lo mejor del año según Atari-B. En este caso para destacar como show sobresaliente del 2008 al inolvidable cúmulo de sensaciones mixtas, que a puro baile, ruido e hipnosis melódica nos obsequiara el 11 de noviembre este exquisitísimo colectivo de animales en la Trastienda porteña.

Vaya aquí de yapa el video de Peacebone, primer single de su precioso album Strawberry Jam. El clip fue dirigido por Timothy Saccenti. [The world premier of "Peacebone", first video/single from Animal Collective's new album, Strawberry Jam. The clip was directed by Timothy Saccenti]

www.timothysaccenti.com
www.MyAnimalHome.net
www.dominorecordco.us
www.zoomazooma.com

Federico Moura Virus + Javiera Mena - Dicha Feliz

Versión completa de "Dicha Feliz", corto realizado para presentar la nueva colección de Pepe Jeans. La dirección del video es de Cristián Mamani. Y es un lindo cover de la siempre bella Javiera; lásstima que en ningún lado, ni en el video, ni en la web, ni en PPjeans, ni en you tube ni en ningún lado hay una mínima mención por más pequeña que sea a los autores originales del tema, ooops, quizás se les pasó? :s
¡y cómo extrañamos al inigualable Federico!

Zeitgeist Addendum - La película completa con subtítulos en castellano

Sí, tarda en cargar porque es la película completa y dura más de una hora… Recomiendo le den play al reproductor y mientras carga vayan a hacerse unos mates porque la espera bien vale la pena. Para verla a tamaño completo y eliminar la barra inferior, clickear el botón de las 4 flechitas en la barra abajo a la derecha; y una vez que cargó, empezarla de nuevo para verla sin interrupciones de conexión.
 

"Zeitgeist Addendum" es la secuela de Zeitgeist, el primer documental escrito y dirigido por Peter Joseph.

"Zeitgeist Addendum" intenta localizar las causas raíces de la corrupción social dominante, al mismo tiempo que ofrece una solución. Esta solución no esta basada en política, moral, leyes, ni en cualesquiera otras nociones "establecidas" de relaciones humanas, sino en un entendimiento moderno no-supersticioso de lo que somos y como nos alineamos con la naturaleza, de la cual somos parte. El trabajo propone un nuevo sistema social que esta actualizado al conocimiento de hoy en día, altamente influenciado por el trabajo de vida de Jacque Fresco y el Proyecto Venus.

El Movimiento Zeitgeist | El Proyecto Venus
http://www.thezeitgeistmovement.com
http://www.thevenusproject.com
http://www.elespiritudeltiempo.org

Kraftwerk - The lost copyright battle

Source: http://www.berlinista.com/

Since back in the days when Kraftwerk first heard Afrika Bambaataas “Planet Rock” they keep on fighting a battle against copyright infringement.

Today, in front of Germany’s highest court, the Bundesgerichtshof (BGH), who is responsible regarding questions about the law, they belonged to the loosing party.

Back in the days they addressed a Hamburg court because they disliked the idea of German rap producer Moses Pelham using samples from their track “Metall auf Metall” (Metal on Metal). Back then the use of even the smallest piece of music of another band used as a sample in your own track was seen as a violation of copyright.

Nevertheless the high court sees sampling still as some form of copyright infringement if the newly created piece of music isn’t a completely new musical work, and if it still bears a resemblance to the original.

Kraftwerk addressed court in 1997 when Pelham used the samples from Kraftwerk’s masterpiece “Trans Europa Express” for a song he produced for Sabrina Setlur, who was kind of the first German female rap star, more than ten years ago.

Because of BGH’s descision, the Hamburg court has to pick up the case again. If you listen to the tracks in the videos below you will see that there are chances that Kraftwerk will loose this battle as well, which in the end won’t stop them from trying to protect their music in terms of copyright.

See for yourself and listen closely: Sabrina Setlur’s “Nur Mir” on YouTube. Here goes Kraftwer's “Metall auf Metall” (Metal on Metal):