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3.2.18

Manifesto


Atari Burroughs (o DeAtar&Burros) surge como respuesta ante nuestra necesidad de encontrar formas de expresión que nos permitieran construir espacios que no estén acorsetados por discursos uniformes y homogéneos. Necesitamos del ejercicio mental de masticar, procesar y vomitar lo que vemos, registramos y aprendemos. Aprendiendo y aprehendiendo.

Como tal, no responde a una sola voz, sino que se trata de un espacio de expresión compartido, por ende sus resultados pueden ser disonantes; es un espacio abierto, de estructura rizomática y circular, no solo en cuanto a la ocupación de sus diferentes medios sino también al ejercicio de administrarlos.
Al entehender que «la creación de sitios multidireccionales, diversificados y de comunicación abierta, promovidos y gestionados desde focos heterogéneos de la vida social, tal como se manifiestan en Internet, hacen pensar en otros tipos de espacios o esferas públicas»[1]; proponemos en Atari Burroughs un sujeto colectivo [una unidad/ entidad] donde generar un espacio para cuestionar las estructuras uniformizantes: buscamos abrir interrogantes. Aspiramos a no caer en el lugar común de asentar, no deseamos formular respuestas acabadas.
Siguiendo a Canclini, creemos que Internet nos ofrece una plataforma donde es posible crear múltiples espacios y canales de expresión donde nuestra opinión puede ser difundida. Este fanzine quiere ser un canal más allá de La Red, a través del cual podamos compartir nuestras inquietudes y gustos, participando activa y creativamente frente a una homogeneización estética, educacional y cultural, producto [entre otras cosas] de la concentración de medios y canales de comunicación.
Si bien existen en Atari Burroughs afinidades en común, no predomina en el grupo una línea de pensamiento sobre otras: provenimos de diferentes disciplinas para, en conjunto, generar un nuevo proyecto, propio y colectivo. Valorizamos la multiplicidad de voces, de opiniones y de miradas. Nuestra intención es abordar cada mes diferentes temáticas pretendiendo cuestionar las continuidades lineales y acabadas, los discursos homogeneizantes y uniformes.
La manera de organizarnos busca distanciarse de un orden jerárquico: Recuperamos, al ensayar, las formas de la naturaleza, de la luz, de la vibración del sonido; formas antiguas de organización social; formas orgánicas de organización de la materia. Dado que reconocemos la importancia de un sistema de organización y de la necesidad de una estructura definida, queremos inventar, crear y probar, actuando: pues como dice Jorge Córdoba, miembro del Human Research Lab, «Sin sistema, no hay revolución posible».
Como miembros del colectivo Atari Burroughs, todos y cada uno de nosotros creemos en el leit motiv: “sólo queremos ejercer el derecho a ser diferentes”. Y es que coincidimos con Joost Smiers, aunque podamos no estar de acuerdo con todo el libro, cuando afirma que «el arte es fundamental para el debate en democracia y para el proceso de responder a la multiplicidad de preguntas que surgen de la vida cotidiana, tanto en el plano emocional como en los otros. Para que esto suceda se necesita una gran diversidad de formas de expresión y canales de comunicación.»[2]


*** esta frase/idea hace referencia a las diferencias respecto del modelo del stablishment; es el espacio/ lugar/ ámbito "donde" aparece: la "cultura" de los negros, de los gay, de los artistas, de los marginales, de los místicos, etc.: esto de "las tribus". En el marco de lo que se ha dado en llamar: "antropología urbana". Intercambiándose los conceptos de identidad y cultura. Implica un análisis del significado de "diferentes"; en un momento, opuesto a "iguales"; luego, cruzado con la pelea por la "igualdad" de derechos, y ahora entrecruzado con el reclamo al derecho a las diferentes identidades, con "igualdad de derechos en la diversidad". Entonces, se remonta la discusión a cómo se definen las diferencias y las igualdades: esto de "nosotros /los otros" que permite decir: nosotros, por las semejanzas; y los otros, por la diferencias. Además de Oscar Wilde, así como de con los filósofos de la diversidad: tiene que ver con la escuela francesa (Barthes y Barth) y con Peter Worsley.[1] García Canclini, Nestor. "Todos tienen cultura: ¿Quiénes pueden desarrollarla?".
[2] Smiers, Joost. "Un mundo sin copyright. Artes y medios en la globalización". 2006. Barcelona. Serie Cultura / Gedisa Editorial.

3.11.11

Experimentación Sonora: Contenidos del Seminario



Atari NoiseLab Kabinett
LABORATORIO DE EXPERIMENTACIÓN SONORA

Contenidos

- Composición en tiempo real mediante la improvisación musical libre y pautada
- Entrenamiento intensivo en el sistema de improvisación con dirección asistida por sistema de señas.
- La improvisación como práctica integradora grupal. Búsqueda del espacio propio y reconocimiento del ajeno.
- Modos de participación en el espacio sonoro, funciones alternadas de soporte y protagonismo.
- Evolución de una performance: gestación, desarrollo, estructura y culminación de una idea rectora.

- Dispositivos creativos de carácter lúdico para incentivar la composición grupal
- El concepto sánscrito de ‹Lîla›, la “magia divina de la creación” y el deleite del ser en el cosmos.
- El goce de la práctica musical como experiencia liberadora. La composición lúdica y espontánea.
- Juego de roles y estrategias de interpretación para la producción colectiva. (Brian Eno)
- Generación y recepción: comunicación y diálogo musical entre los participantes.
- Desarrollo de un oído activo; analítico, desprejuiciado y creativo a la vez.
- Restablecer un vínculo personal afectivo y descontracturado con el instrumento musical.
- Conceptos de music painting, looping, musicalización de imágenes y partituras gráficas.

- Experimentación tímbrica y exploración de las múltiples posibilidades sonoras
- Nuevos abordajes de la experiencia musical a través de la exploración consciente del espacio sonoro.
- Las fronteras del sonido. Grabaciones de campo, soundscapes, ambient, drones y texturas.
- Validación de los conceptos de “ruido” y “silencio” como elementos constitutivos esenciales.
- Síntesis y diseño de la materia sonora como ente artístico autónomo: herramientas analógicas y digitales.

- Transpolación del método proyectual del campo del diseño a la performance sonora
- Diseño de instrumentos no convencionales a partir de objetos cotidianos y reciclaje de descarte industrial.
- Experimentación con material piezoeléctrico, construcción de micrófonos y osciladores analógicos.
- Instrumentos preparados (electroacústicos) e intervención de artefactos electrónicos (circuit bending).
- El proyecto audiovisual / Diseño de imagen y sonido / Instalación, Performance y Arte multidisciplinario.
- El cruce estético poético entre la música, la plástica, la danza, el teatro, la literatura, etc.
- Revalorización del proceso de trabajo como desarrollo creativo más allá del resultado.

- Brindar herramientas para la ampliación de la concepción musical y el incentivo de la reflexión crítica
- Desaprendizaje de los cánones estéticos adquiridos por herencia o convención.
- Sensibilización a nuevas formas de escucha y enfoques no tradicionales de la materia sonora.
- Interrogante sobre la inutilidad de los sistemas de composición e interpretación tradicionales.
- El artista como activista multidisciplinario y ser estético cultural / La formación comprehensiva integral.
- Las vanguardias musicales del siglo XX y los nuevos paradigmas en la experiencia posmoderna (s.XXI).
- La dimensión espiritual/experiencial de la música en contraposición con la escucha intelectualizada.



Inscripción
Seminario intensivo. Duración: 1 mes. Comienzo Martes 15 de noviembre de 2011
4 martes consecutivos de 19:00 a 23:00 hs. (prácticas musicales: composición en tiempo real, etc.)
2 domingos a convenir de 16:00 a 20:00 hs. (prácticas de diseño: construcción de instrumentos, etc.)
Consultar por otros días y horarios / Consultar por próximos talleres y seminarios.
Inscripción y más info enviando mail a atari.noiselab@gmail.com


Experimentación Sonora: Programa detallado por etapas



Atari NoiseLab Kabinett
LABORATORIO DE EXPERIMENTACIÓN SONORA


Programa


ETAPA 01
tarea (previa al encuentro)
Responder al cuestionario de inscripción
Si posee, chequear y acondicionar el instrumento propio (desempolvado, afinación, cables, alimentación)
Armar un cd compilado de canciones favoritas para compartir con el resto del grupo (aprox 74')

teórico
Presentación de los participantes
Breve introducción a la metodología teórico-práctica del taller
Organizaciones no-jerárquicas, horizontales y rizomáticas
La música experimental en el arte contemporáneo
Improvisación vs. Composición en Tiempo Real
Estructuras y elementos constitutivos de la canción
La experiencia lúdica de la comunicación musical: aceptación, roles y escucha activa
Introducción a la Improvisación con Dirección Asistida por Sistema de Señas* (IDASS)
Introducción a los Dispositivos Creativos* (DC)

práctico
DC*: Ensamble de loops (concatenación evolutiva de patrones fijos)
DC*: Improvisación libre con estructuras simples (crescendo, diminuendo, meseta y parábola)
DASS*: Herramientas de edición básicas (Pulso, Compás, Alturas, Dinámica, Intensidades, Continuidad, etc.)

tarea
Búsqueda y/o construcción de instrumentos no-convencionales a partir de elementos cotidianos.
Exploración extrema de un instrumento musical a elección / Catálogo de sonidos posibles


ETAPA 02

teórico
Avant Garde. Introducción a las vanguardias y las corrientes artísticas/musicales del siglo XX.
Dadá / Fluxus
Minimalismo / Drone / Silencio / Serialismo
Loops, Patterns, Tape music
Azar, Indeterminación y Aleatoriedad

práctico
DC: Ejercicio de escucha activa y consciente de los distintos niveles sonoros del entorno
DC: Exploración tímbrica extrema del instrumento. Modos de ejecución no convencionales
DC: Modelar el desarrollo de un “drone”: Expandir la paleta de posibilidades de un tono continuo y prolongado
DC: Trabajo de texturas. Los 3 tipos de texturas sonoras y la articulación de todas ellas combinadas
DC: Trabajo con diferentes elementos externos para intervenir un instrumento tradicional
DASS: Herramientas de edición intermedias. (Texturas, Catálogo, Planos, Matices, etc.)

tarea
Armarse de un set de intervención para instrumento preparado
Registros sonoros, grabaciones de campo


ETAPA 03

teórico
Música Tonal / Música Modal
Cromatismo / Dodecafonismo
Atonalidad / Microtonalidad
Desafinación vs. Disonancia
Compases compuestos y Polirritmia
Arte conceptual, Música Concreta y Abstraccionismo
Texturas / Ruidismo / Noise / Soundscapes / Grabaciones de campo
El color de la música. Articulación sonido-visión (Morton Feldman / Kandinski)
Partituras Gráficas no convencionales y Sistemas de Signos Referenciales
Arte Sonoro / Instalaciones / Performance / Videoarte

práctico
DC: Circulación Solapada (con crossover y stacattos) (Robert Fripp)
DC: Composición espontánea de miniaturas (Bela Bartok / New York Miniature Ensamble)
DASS: Herramientas de edición intermedias (Ruido, Drone, Cromatismo, Micro y Atonalidad, Carácter, etc.)
DC: Improvisación libre teniendo en cuenta los conceptos adquiridos DASS.
DC: Oleaje: Alternancias en los planos, rotación en los roles de apoyo y protagonismos.

tarea
Serie de miniaturas con variaciones evolutivas
Desarrollar un sistema de símbolos escritos no convencionales para la escritura musical
Diseño de una Partitura Gráfica a partir del sistema anteriormente creado


ETAPA 04

teórico
Be Bop / Free jazz
Psicodelia / Freak Folk / Collage Pop
DIY / Punk / No Wave / Lo-Fi / No-Fi
Krautrock / Avant Garde / Japanoise 
Electroacústica y Música Experimental
Música Electrónica / Ambient / IDM
Sintetizadores analógicos vs Samplers digitales
Deconstrucción, Cut and Paste y Edición Digital
Circuit Bending / Piezoelectricidad / Micrófonos caseros / Osciladores
Modernidad vs. Posmodernidad en la música y el arte

práctico
DC: Interpretación de las partituras gráficas generadas
DASS: Herramientas de edición avanzadas (Polirritmia, Géneros, Citas, Fowlies, Tonalidades, etc.)
DC: Juego de roles y estrategias para la producción (Brian Eno)
DC: Musicalización de películas y teatro en vivo / Bandas sonoras / Fowlies
Reflexión crítica sobre el desarrollo del seminario

(tarea)
Ensayo grupales a convenir previo al concierto



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Actividad abierta
Todos los interesados pueden participar. NO es necesario saber música ni se requiere ningún conocimiento previo.
Este seminario es gratuito (con cupos limitados). Se dictará en Krauthaus (Almagro).
Como trabajo final los participantes darán un concierto abierto al público y se editará un cd con obras del taller.
Interesados enviar CV o mini-biografía (y link si es que tiene) a atari.noiselab [arroba] gmail.com
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Acerca de la palabra seminario:
Un seminario es una reunión especializada que tiene naturaleza técnica y académica cuyo objetivo es realizar un estudio profundo de determinadas materias con un tratamiento que requiere una interactividad entre los participantes. El seminario implica un grupo de aprendizaje activo, pues los participantes no reciben la información ya elaborada, como convencionalmente se hace, sino que la buscan, la indagan por sus propios medios en un ambiente de recíproca colaboración. Es una forma de docencia y de investigación al mismo tiempo. Se diferencia claramente de la cátedra o clase magistral, en la cual la actividad se centra en la docencia-aprendizaje. En el seminario, el alumno sigue siendo discípulo, pero empieza a ser él mismo profesor. La ejecución de un seminario ejercita a los estudiante en el estudio personal y de equipo, los familiariza con medios de investigación y reflexión, y los ejercita en el método filosófico. El seminario es fundamentalmente una práctica crítica de caracter activo.

2.11.11

Laboratorio de Experimentación Sonora




Atari NoiseLab Kabinett
LABORATORIO DE EXPERIMENTACIÓN SONORA




Taller Teórico Práctico
Seminario sobre Composición en Tiempo Real, Dirección Asistida por Sistema de Señas, Looping, Improvisación
libre y pautada, Construcción de instrumentos no convencionales, Circuit Bending, etc. [link al programa completo]
Workshop coordinado por “Atari Burroughs” e integrantes del grupo “A Los Gauchos Psicomísticos del Miasma”.

Objetivos
Ejercitar el concepto de Composición en Tiempo Real mediante la improvisación musical libre y pautada.
Entrenamiento exhaustivo en la Improvisación con Dirección Asistida por Sistema de Señas (escuela neoyorquina).
Incentivar la composición grupal mediante la práctica de diversos dispositivos creativos de carácter lúdico.
Generación de ideas comunitarias a partir de estructuras no-jerárquicas, anárquicas, horizontales y rizomáticas.
Trabajo de experimentación con conceptos como atonalidad, serialismo, deconstrucción, abstraccionismo, etc.
Desarrollar la exploración tímbrica extrema en las zonas fronterizas de ‹ruido›, ‹silencio›, ‹música› y ‹sonido›.
Construcción de instrumentos no convencionales a partir de objetos cotidianos y reciclado de descarte industrial.
Introducción al circuit bending, microfonía piezoeléctrica, música electrónica, editores, loops y osciladores analógicos.
Profundizar la articulación entre ‹lo visual› y ‹lo sonoro› (music painting, partituras gráficas, arte multidisciplinario).
Relevar las corrientes musicales modernas (s.XX) y los nuevos paradigmas contemporáneos (s.XXI). Post-todo.
Brindar herramientas para la ampliación de la concepción musical, la audición y el incentivo de la reflexión crítica.

Actividad abierta
Todos los interesados pueden participar. No es necesario saber música ni se requiere ningún conocimiento previo.
Este seminario es gratuito (con cupos limitados). Se dictará en Krauthaus (Almagro).
Como trabajo final los participantes darán un concierto abierto al público y se editará un cd con obras del taller.
Interesados enviar CV o mini-biografía (y link si es que tiene) a atari.noiselab@gmail.com
Inscripción
Seminario intensivo. Duración: 1 mes. Comienzo Martes 9 de noviembre de 2011
4 martes consecutivos de 19:00 a 23:00 hs. (prácticas musicales: composición en tiempo real, etc.)
2 domingos a convenir de 16:00 a 20:00 hs. (prácticas de diseño: construcción de instrumentos, etc.)
Consultar por otros días y horarios / Consultar por próximos talleres y seminarios.
Más info por mail, o remitirse el temario, cronograma y programa completo en www.atari-b.blogspot.com

10.3.10

Melodía + Ruido | Música en vivo

Atari Burroughs’ NoiseLab Kabinet presenta:

A Los Gauchos Psicomísticos del Miasma (kraut de cámara)
+ IM (noise de salón)

Teatro Vera. Sábado 13 de Marzo. 21:30 hs. $15
Vera 108 (y Corrientes). Villa Crespo. Buenos Aires

21.12.09

Entrevista a Peter Joseph (Director Zeitgeist Addendum) en Castellano


Entrevista a Peter Joseph (Director Zeitgeist). Con subtítulos en español)

17.8.09

Peter Bilak: Falta de diseño, exceso de diseño y volver a diseñar

El no-diseño como una repuesta al sobre-diseño y el manierismo contemporáneo. Alegato a favor de un diseño que, tomando en cuenta su contexto, responda a las necesidades de comunicación y no a modas pasajeras con las que el diseñador luce su virtuosismo técnico.



"El diseño no es decorar, ilustrar o embellecer ciertas cosas: el diseño es mejorar esas cosas y crear nuevos valores. El diseño es más una pregunta que una respuesta. Deberíamos aprender a expresar correctamente estas preguntas." Extraido de typotheque (www.typotheque.com)

\\\ Peter Bilak: Falta de diseño, exceso de diseño y volver a diseñar.
[...]
Las nuevas posibilidades que ofrecía el diseño provocaron un tipo de fragmentación de la informacion y una ambigüedad compleja y forzada que llegaron a ser mucho más apreciadas que la simplicidad y la funcionalidad. Las preguntas que se plantean los diseñadores han cambiado y en vez del “qué” y el “por qué” el diseñador se contenta con saber el “cómo”. Los diseñadores gráficos fijan con entusiasmo su atención en imágenes bonitas y se preguntan cómo fueron hechas, de forma que, una vez descubierta la respuesta, lo que único que les queda de la imagen original es una colección de filtros y triquiñuelas técnicas. El diseño considerado de esta forma no dice nada al margen del virtuosismo del diseñador. Así, tras años de celebrar la individualidad del diseñador, se replantea el tema de la expresión personal: ahora la cuestión más genuina ya no es cómo expresar el ego del diseñador, sino cómo comunicar de la manera más efectiva usando los medios disponibles.
En las escuelas de diseño se pone el énfasis en los experimentos formales sin reflexionar acerca de su razón de ser, lo cual supone la total pérdida de los valores del diseño. Así, el diseño fracasa como forma de comunicación y pasa a ser un mero elemento decorativo.
[...]
Gracias al narcisismo de los diseñadores la palabra “diseño” se ha cargado de connotaciones negativas que han venido a provocar cierta reacción natural de rechazo al diseño. El interés de algunos diseñadores deja de centrarse en la demostración de sus capacidades y de las posibilidades que ofrecen las tecnologías contemporáneas, al tiempo que se produce un intento por volver a la esencia del diseño para expresarla de una manera más simple. El público necesita mensajes claros, y no mensajes complejos de virtuosos del diseño. Después de la fiesta ha llegado el tiempo de la sobriedad y de retomar los primeros rudimentos del diseño.
[...]
El intento de los diseñadores para distinguirse de los simples “aficcionados con ordenadores” ha dado un giro de 180 grados y hoy en día muchos diseñadores se esfuerzan por permanecer todo lo cerca que pueden de esos aficcionados.
En este aspecto el diseño actual va 30 años por detrás de otras propuestas teóricas. A finales de los 60 Roland Barthes y Michel Foucault redefinieron la función del escritor: según Barthes "el nacimiento del lector es a costa de la muerte del autor", contribuyendo con ello a refutar el mito popular de que el autor es también el propietario del texto. La cuestión no es “lo que el poeta quería decir” sino “lo que el poema dice”. Sin embargo nosotros olvidamos fijarnos en los contenidos del diseño gráfico, fijándonos si posee eso que sus creadores nos prometieron. De esta forma se confunde deliberadamente al público, que acaba por perder el rol activo que le corresponde por naturaleza.
Así, el diseñador no es el propietario de la forma sino el propietario de los contenidos.
[...]
El diseño no es decorar, ilustrar o embellecer ciertas cosas: el diseño es mejorar esas cosas y crear nuevos valores. El diseño es más una pregunta que una respuesta. Deberíamos aprender a expresar correctamente estas preguntas.

20.7.09

Sobre tipografías favoritas y cómo usar las

Por Miguel de Lorenzi, artista y gurú del diseño gráfico argentino.

Si se le pregunta a alguien que comida le gusta más, nadie responderá milanesa, a secas, por ejemplo. Dirá milanesa con papas fritas o milanesa con puré. Lo mismo me sucede con las tipografías. Será un lugar común pero me gustan los dúos o, mejor, parejas haciendo el amor tipográfico: redonda con itálica, bold con ligth, serifas con palo seco, etcétera. Hay parejas clásicas: Franklin Gothic bold con Stempel Garamond light itálica, que vendría a ser mi milanesa con papas fritas o mi postre queso y dulce. Ese será mi vulgar paladar, aunque cuando pongo tipografías no dejo de pensar en el comitente, el medio y el lector.

Me gustan las tipografías con familias amplias, con distintos pesos, sus itálicas y sus condensadas. Pero no me caso con ninguna. Parafraseando el renacentista "Nada de de lo que es humano me es ajeno" yo diría "Nada de lo que es tipografía me es ajeno".

No le creo a los diseñadores que dicen "yo solo tengo cinco tipografías en mi computadora". Si revisamos su obra veremos que constantemente le son infieles a esas cinco que nombran.

Hay casos raros. La Nimrod no me parece una letra muy bella, pero reconozco que cerca del cuerpo 8 tiene una legibilidad y rendimiento imbatibles.

Otras rarezas: la Swift de Gerard Unger o su Gulliver. Son letras bellísimas; a mi parecer de lo mejor que se diseñó con serifas en los años recientes y no muchos diseñadores las usan. Sin embargo se delira por la Scala que es una fuente que parece estar en barbecho y haber sido lanzada al mercado casi sin terminar y sin haberla provisto de suficientes pesos.

Más curiosidades: ¿Por qué tantos lugares de comidas rápidas utilizan la Lithos?

Buenos Aires es la ciudad de la Frutiger me dijo un diseñador chileno al abordar un subte.

Si tengo que hacer una pieza para un festival de rock u otra comunicación para jóvenes, no me siento obligado a usar una tipografía grunge. Quiero pensar que usar grunges no sea un prejuicio de los diseñadores: los jóvenes rockeros son unos sucios rotos. Algo que parece ocurrir con las publicaciones para niños que usan la Comic Sans: los niños son unos bobos que les debe gustar la boba Comic Sans.  Sin ruborizarme, si cabe, no vacilaría en utilizar una elegante script para un recital de Spinetta.

No me rehuso a usar la Helvética ni la Times porque sean un lugar común. Muchos diseñadores creen superar ese complejo de popularidad usando la Akzidenz Grotesk que fue la antecesora de la Helvética. Lo que en general no saben es que la Akzidenz que usan fue digitalizada con un ojo puesto en la Helvética.

Una letra que odio, no por popular si no por fea es la Brush Script. Y su prima la Mistral (¡Dios mío!, vieran lo que son las ligaduras en Open Type, lograron hacerlas más feas  todavía). Pero atenti, si el verdulero de la esquina me pide que le haga el cartel de su verdulería con la Brush Script, trataré de convencerlo de que  usemos otra letra…

Otras letras que me producen una cierta tirria son las pixeladas sobre todo cuando son usadas para indicar lo digital y las "espaciales" tipo logotipo de la Nasa para significar modernidad.

Nunca me prendi a la polémica "Helvética versus Univers". Cada fuente tiene lo suyo y me suena mejor una u otra según los casos.

No entiendo a los que se desgañitan hablando de legibilidad y hacen piezas de tipografía cuerpo 7 impresas en un naranja 30 por ciento.

No entiendo a los que se queman la cabeza durante meses y meses en el FontLab haciendo una variación de una fuente clásica para que haya un lugar en Internet con la Font Pérez.

Después de la Helvética y la Meta, creo que la Fontana ND es uno de los grandes aportes al mundo de las fuentes sin serifas. Debería tener mejor suerte y trascendencia internacional.

Por debajo del cuerpo 8 todas las letras son pardas y no vale la pena pelarse por una Garamond contra una Goudy, si no hay una cuestión de rendimiento de espacio.

Aunque no lo parezca hay fuentes gratis en Internet bastante buenas.

Resumo las parrafadas anteriores. No tengo predilección ni animadversión por ninguna fuente en particular. Solo tengo preferencias por las maneras de usarlas…

[fuente: Visualmente Blog de Norberto Baruch]

29.3.09

A Los Gauchos Psicomísticos del Miasma en vivo en la FLA | Ciclo de música experimental

Luego de la última seguidilla de shows orquestales en casas y galerías de arte, volvemos con todo el power a la escena del punk rock más ruidoso y acérrimo; nada más y nada menos que en nuestra queridísima y bienponderada FLA (Federación Libertaria Argentina). Cerraremos el ciclo de Eu!Zine, festival de música noise y experimental donde musicalizaremos la genial película Flaming Creatures (1963) de Jack Smith. Y ojo, que haremos mucho punk y mucho noise, pero como siempre, también pelará sutilezas nuestra sección de cámara con sus bellas sinfonías y delicias ambientales. Antes que ALGPM (nosotros) van los sacados Hipnoflautas (muy recomendable banda). Así que será una preciosa velada para viajar un poquito al más allá sin necesidad de trasladarse físicamente a ningún lado; bueno, sí, a la FLA!  :) Los esperamos!
pd: adjunto algunos volantillos que nos van llegando desde distintos varios lados.

+++

Act Ki (Thrash / Lo-Fi / Punk)

Hipnoflautas (Psicodelia / Espacial / Trastornada)

(Música Concreta / Post Kraut / Minimalista)

Ciclo Eu!zine presenta: 29 de noviembre, 19:00 hs. Entrada libre!
Federación Libertaria Argentina. Brasil 1551, San Telmo.
 
La Orquesta Rizomática ALGPM* en su versión 'punk de cámara' irá así:
Sami Abadi: Violín Eléctrico y Dirección Orquestal
Max Yakin Bozek: Piano y Sintetizadores
Santiago Doljanin: Artefactos Imposibles
José González: Bajo Locomotora
Alejo Barberis: Batería y Percusión
Sebastián Desalvo: Melódica y Mbira
Fermín Kehoe: Flauta Traversa 
Carolina Cuevas: Clarinete
María Fernanda Flores: Viola
Andrea Ojeda: Violín

11.3.09

NoiseLab_Kabinett v9 | Evento Cultural Libre





Atari Burroughs'
NoiseLab_Kabinett v9


¡Festival Libre y Gratuito! Domingo 15 de Marzo de 18:00 a 23:00 hs
Plaza Güemes (Medrano y Mansilla) Palermo Viejo. Buenos Aires.
Escenario sobre la escalinata de la Basílica Guadalupe. Se suspende por lluvia.

Shows en vivo de:
Alfonso el Pintor
A Los Gauchos Psicomísticos del Miasma
Corazón Robot
Dañel Mirkin Frois
(intermezzos + cierre)
The Child
(UK)
Defórmica



+ Muestras de Arte
+ Demo de Skate
+ Street Art en vivo
+ Feria de artistas
+ Fanzines y editores independientes


Link a los artistas clickeando arriba sobre sus nombres.
Para participar del próximo evento o fanzine escribir a: atari.fanzine arroba gmail punto com

21.11.08

palito bombón: fotografías sanjuaninas

palito bombón, originalmente cargada por YakinBozek.SanJuan.



Imágenes cuyanas de San Juan de la Frontera. República Argentina.
Más de estas fotografías pueden verse en el flickr: YakinBozek_SanJuan

Zeitgeist Addendum - La película completa con subtítulos en castellano



Sí, tarda en cargar porque es la película completa y dura más de una hora… Recomiendo le den play al reproductor y mientras carga vayan a hacerse unos mates porque la espera bien vale la pena. Para verla a tamaño completo y eliminar la barra inferior, clickear el botón de las 4 flechitas en la barra abajo a la derecha; y una vez que cargó, empezarla de nuevo para verla sin interrupciones de conexión.
 


"Zeitgeist Addendum" es la secuela de Zeitgeist, el primer documental escrito y dirigido por Peter Joseph.

"Zeitgeist Addendum" intenta localizar las causas raíces de la corrupción social dominante, al mismo tiempo que ofrece una solución. Esta solución no esta basada en política, moral, leyes, ni en cualesquiera otras nociones "establecidas" de relaciones humanas, sino en un entendimiento moderno no-supersticioso de lo que somos y como nos alineamos con la naturaleza, de la cual somos parte. El trabajo propone un nuevo sistema social que esta actualizado al conocimiento de hoy en día, altamente influenciado por el trabajo de vida de Jacque Fresco y el Proyecto Venus.

El Movimiento Zeitgeist | El Proyecto Venus
http://www.thezeitgeistmovement.com
http://www.thevenusproject.com
http://www.elespiritudeltiempo.org

11.9.08

Bergman: Instalación y Arte Mural en Logia Ortiz

Bergman, originalmente cargada por YakinBozek_LogiaOrtiz.


Ambientación del Señor X y Alegría del Hogar en Logia Ortiz.

El resto de las imágenes pueden verse en Logia Ortiz flickr y en Logia Ortiz blog

10.7.08

Satori Lab | La celebración: Mitoritohito

malba.diseño presenta:
La celebración: Mitoritohito

Satorilab - Diseño experimental con descartes
Jueves 11 de septiembre a las 19:00 hs Malba.

Malba - Fundación Costantini | Avda. Figueroa Alcorta 3415 | C1425CLA | Buenos Aires, Argentina
www.malba.org.ar
| www.satorilab.blogspot.com

14.4.08

designers block: Oh My God It's Concrete

from buenos aires
www.grupobondi.com.ar

12.3.08

Introducción al diseñismo

Alejandro Sarmiento inventa, crea conceptos, diseña, enseña. Lo que no hace es exportar y se rehúsa terminantemente a ser empresario.
Las ideas de un diseñador muy premiado, muy reconocido, que sigue angustiado a la hora de inventar.

por Luján Cambariere
Si se lo conoce por su muy premiada obra o por lo que dicen sus viejos profesores y muchos de sus colegas, se intuye que es una de esas mentes iluminadas del diseño. Cuando asoma desde su casa-taller-fábrica de inventos en Avellaneda, las sospechas se confirman. Estamos frente a un exponente de lo que uno espera del diseñador industrial. Un tipo dúctil con las manos, alguien nada loco que investiga nuevos materiales o les da nueva vida a los conocidos, convirtiendo un filtro de auto en tarjetero, la tapa de una olla en base de lámpara o un balde de plástico en pantalla. Uno de esos buscados por los empresarios que olfatean el negocio pero no saben cómo conceptualizarlo.
Sarmiento empezó a hablar de la necesidad del reuso mediante las botellas de pet (fue el creador de Contenido Neto) aún en la era menemista, cuando aún no era evidente el fenómeno cartonero. Muchos de sus productos ganan premios en cuanto concurso se presente, como el banco de cartón Circus Stool y silla Chichola (Primer Premio del Círculo de Profesionales y Primer Premio en el Salón del Mueble Sao Paulo; Ecodesign edición 1997 Mención Honrosa SEBRAE, Sao Paulo, Brasil; Ideé Design Award, Marc Newson Award y Michael Young Award en la Exhibición de productos en la feria Tokio Designers Block en Tokio, Japón y mención honorable en el Design Explorations 2001 Design Competition de la Parsons School of Design de Nueva York). Fue el único argentino en participar y ganar la competencia internacional The Yamaha AST Audio System, que le dio la posibilidad de viajar por el mundo. Hoy sus productos son requeridos en todo tipo de exhibiciones, tiendas e instituciones, como el Malba.
Sarmiento es un tipo que apuesta a la vanguardia, conserva su autonomía y no quiere ser exportador o empresario. Alguien a quien vale la pena preguntar: ¿de qué hablamos cuando hablamos de diseño?
–¿Cómo nace un diseñador?
–Yo vengo de un pueblo, General Villegas. Mi infancia fue siempre de construir. Si llovía: represas. Si había viento: cartón con vela. Mi viejo nos llevaba a Mar del Plata y yo veía esos copos de nieve y apenas volvía me hacía uno en miniatura. Algunas cosas las copiaba porque me interesaba el aparato en sí y otras las inventaba. Había una necesidad muy grande de crear. No teníamos televisión o estaba de adorno. De hecho lo primero que vi por TV fue el alunizaje. Sí veía cine todas las noches porque mi papá trabajaba en publicidad y entraba gratis. Además, yo creo que la influencia más grande que uno puede tener es la naturaleza. En mi infancia yo estaba muy para cazar pajaritos. Poníamos tramperas en los árboles y nos pasábamos horas mirando el cielo. Es como cuando te sentás a contemplar el mar. Te perdés en la nada y esa nivelación de ondas mentales es la energía creativa. Cuando terminé el colegio, iba seguir Arquitectura y leí de la existencia de diseño industrial, que iba más para mí, que siempre andaba inventado receptores electrónicos y máquinas. Empecé a estudiar diseño en la Universidad de Cuyo en Mendoza, y en 1981 me fui a la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, donde terminé la carrera.
–¿Qué era entonces un diseñador industrial para vos?
–Un creativo. Al principio de la carrera yo era muy tecnológico, me fascinaba el diseño tipo la Nasa. Después empecé a ver las cosas de otra manera. Eran los ‘80 y nuestros referentes eran los italianos, que en ese entonces hacían un diseño absolutamente caprichoso pero creativo.
–¿Cuándo empezás a trabajar?
–Antes de terminar la carrera. Enseguida fueron surgiendo cosas, aunque desde el principio fue difícil hacerles entender a ciertas personas que debían pagar por el diseño. Cuando me recibí, se abrió la carrera en Buenos Aires, así que empecé a dar clases, pero después el premio en Japón –había que diseñar un speaker con la tecnología de ellos, el slogandecía: “Usted ponga sus ideas que nosotros ponemos la tecnología”– marcó un antes y un después en mi carrera. Me fui a recorrer el mundo y me quedé viviendo tres años en Nueva York. Allá empecé a hacer objetos con la basura y tuve la suerte de conocer a un fotógrafo que me solicitó trabajo y así se fue armando una cadena. Cuestiones familiares me hicieron volver pero siempre seguí trabajando.
–¿Cómo es un día en tu vida?
–No tengo una rutina. De hecho jamás me levanto al mismo horario. No soy un tipo disciplinado y la creación, generalmente, tiene que ver con un estado de ánimo. Un pensamiento que a veces me limito a escribir para no olvidar. Y otros días estoy como internado. Después están las limitaciones propias del trabajo. Luchar por llegar a cierta instancia de prototipo para que otro lo vea y quiera producirlo. No uso computadora, es un servicio que compro a gente que lo hace muy bien. A mí me gusta trabajar muchos con las manos. La computadora sigue siendo fría, no adquiere el grado de calidez que necesita un objeto.
–¿Te obsesionas con ciertas piezas?
–Es variable. En otro momento me fanatizaba más. Ahora resuelvo mucho mentalmente y lo plasmo mediante alguna forma.
–¿Seguís participando en concursos?
–No tanto. Ahora me interesa más coordinar grupos de alumnos que quieran participar (es docente titular en la cátedra Tecnología y usos del aluminio, de la Universidad Torcuato Di Tella, y profesor y asesor académico de la Universidad de Palermo). Salvo en concursos comerciales donde el premio pasa por la manufactura del objeto.
–¿En qué abrevás cuando diseñas?
–Los momentos de felicidad familiar son lo que me da el espíritu para diseñar, las ganas de vivir, los amigos. Tener sensación de felicidad aunque sea corta. Aunque cuando surgen las ideas siempre tienen un fundamento físico. No son tan banales como parecen, aunque puedo ser absolutamente banal y también me gusta. Viviendo en Nueva York, gané una mención de la Parsons School of Design sobre cómo viviríamos en el 2001. Ahí diseñé una lámpara que era una especie de caño anodizado amarillo con una base de vidrio que tenía en el extremo una duna, detrás de la duna un cactus chiquito y detrás una lamparita halógena que ampliaba la imagen del cactus sobre la pared y con la que lograba transmitir cierta idea la naturaleza. Algo así como capturar el fenómeno críptico de la naturaleza en la casa. Esas piezas conservan un grado de poesía inmerso dentro del objeto, aunque no evidente, y yo trato de tener cada día más de esas cosas pero menos visibles, más internas. Hay productos que no tienen ningún fundamento, otros más y otros demasiado.
–¿Cuál es la definición que más te gusta del diseñador o del diseño?
–El diseño cambió mucho desde que estudié. De hecho hoy en las universidades europeas se habla de Product Design o Design-Design. Nosotros acá las tenemos todas incluidas porque cuesta especializarse. Igualmente hay muchas maneras de encarar el diseño y de verlo. Lo que yo hago es diseñismo. Es el nombre que yo le puse porque va desde la autogestión al objeto, es una mezcla de diseño y hobbie. Lo semántico de la palabra tiene que ver con eso. Diseño donde uno interviene directamente sobre el producto. Donde, a pesar de tener una concepción de taller, es totalmente industrial. La condición básica es que siempre pueda ser reproducible en grandes cantidades.
–¿Y cómo es el diseñador argentino?
–Hay de todo. Hoy en día hay mucho empresario del diseño por necesidad. Yo no me he transformado en empresario porque hay cosas que no quiero aprender. A mí me consultan todo el tiempo para generar conceptos. Hay mucha necesidad de generar y falta una visión de cómo entrarle al concepto. Lo mío es más arriesgado, hago cosas inéditas. En Nueva Yorkprendía fuego sillones, me quedaba con la estructura y las envolvía como lo hacen los Campana ahora, nada más que yo no era un Campana, era absolutamente anónimo. No tuve la fortuna que han tenido ellos, pero no me fue mal. Estoy satisfecho, aunque no tengo nada, pero muchas veces el reconocimiento es eso, te propone más desafíos. Además hay algo que no pude erradicar de mí que tiene que ver con cierto nivel de angustia que tiene que existir para crear. Con mucho confort me pierdo en otras cosas. Necesito que haya cierta tensión en algunos aspectos de mi vida.
–¿Se puede vivir del diseño?
–Sí, con más o menos plata, pero vivo del diseño. Y no sólo diseñando objetos. También escenografías, espacios. Doy clases en la universidad. Vendo diseño al exterior. Ahora le estoy vendiendo una lámpara que hice con un material de termofusión a un señor de Tokio. Hago cosas, saco fotos, las ofrezco y vendo el diseño para que otro lo fabrique. Exportar es un rollo muy difícil para mí como veo la vida. Quiero vivir más abocado al diseño que a la comercialización del diseño. Uno muchas veces termina enroscado en cosas laterales sin darte cuenta. Ahí descubrís que no sos el mejor haciéndolo y el resultado puede ser incierto.
–¿Qué es lo más fácil y lo más difícil hoy?
–Lo más difícil es la relación con la industria, una cuestión muy difícil de sortear, ya que el industrial todavía no está interesado en el diseño. O no hay ni una visión, ni una intención tampoco. Acá nadie va a diseñar un taladro. Igualmente yo, por las cosas que vienen de China, no dejo de diseñar.
–¿Los salís a buscar?
–Sí, lo que pasa es que ellos se enganchan después de la generación de prototipos. Cuando el producto ya está terminado. Igualmente, también, hay un pensamiento de que el diseñador es un tipo que genera un caos bastante grande, porque entra a la empresa para cambiar cosas. Eso sumado a que a veces se da una intervención del industrial que cree que el ser dueño le permite ser creativo. Inclusive muchas veces fuimos con propuestas, pero aun con prototipos se vuelven atrás porque no quieren invertir. Por eso hablo de diseñismo. El diseño implica tener una relación con la industria. En el ‘95 estuve en un workshop para Alessi para las nuevas tendencias y te das cuenta de cómo trabaja la compañía. Tiene una dinámica permanente donde cada uno hace lo que sabe. Uno crea el concepto, otro lo dibuja. Allá las ideas tienen dueño y se lo respeta. Acá vos contás una idea a alguien y no te la paga, te la gasta.
–¿Y lo bueno?
–Que todo es un desafío permanente. Hay cuestiones de confort que pueden ser muy malas.
–¿Cuándo se requiere un diseñador en la sala?
–Hay una necesidad tremenda de diseño en todo. Es un problema de saber vivir y nosotros, los argentinos, no sabemos vivir todavía. Los italianos no sólo disfrutan del vino de la cosecha que debe ser, sino de la copa adecuada para ese vino. Poder disfrutar de la vida de lleno. Entonces estás permanentemente encontrando nichos. Desde la plazoleta descuidada de la esquina hasta una vidriera. Para mí, el diseño es lo más agradable que me pudo pasar. La combinación perfecta de conocimientos que quería tener. Hay una gran intervención espiritual en los proyectos para una manifestación completamente material y eso creo que es lo que propone la armonía en las cosas que uno hace.

Nota realizada por Luján Cambariere para el Suplemento m2 de Página/12. Link a la nota original.

4.3.08

Convocatoria para Artistas Visuales (ilustradores, artistas, diseñadores, fotógrafos, etc.)

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El fanzine Atari Burroughs convoca artistas visuales para exponer en el Festival NoiseLab_Kabinett v9.

El volumen 9 del Festival NoiseLab_Kabinett se llevará a cabo el Domingo 15 de Marzo durante todo el día en la Plaza Güemes, en el barrio de Palermo. Habrá Bandas en Vivo, Proyecciones, Demo de Skate, Feria de Fanzines y Muestras de Arte de varios tipos*.

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>>>> Para participar en las Mesas de la Feria (A):
Obras sueltas y en pequeño formato que no superen en sus lados los 29 cm (incluido el soporte). Pueden ser dibujos y pinturas en cualquier técnica, impresiones digitales, objetos, etc. La cantidad de piezas por participante es ilimitada.
Deberán traerse el día del evento las obras listas para ser exhibidas: firmadas, tituladas y/o rotuladas con el registro de la serie si fuera necesario (serigrafía, impresiones digitales, copias fotográficas, etc.).

>>>> Para participar de la Exposición Colgante (B):
Obras en soporte rígido, bastidor, montadas o enmarcadas, listas para colgar. La cantidad de obras, la técnica y el formato, en esta categoría son ilimitadas. Podrán exhibirse desde pequeños cuadritos hasta mega-canvases y gigantografías.

>>>> Para participar de las Pintadas en Vivo (C):
Contamos con 23 paneles de cemento de 3 m2 c/u, que son del piso de la plaza y serán otorgados a distintos artistas o colectivos para que los pinten o dibujen con materiales no-permanentes que serán provistos ese mismo día.

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Los interesados deberán enviar un mail a atari.noiselab@gmail.com indicando sus datos (mini cv) y un link a su portofolio online (en caso de no poseerlo se aceptarán trabajos adjuntos en el mismo mail, cuyo tamaño no deberá excederse de los 5MB). Además se deberá indicar en cuál o cuáles de las 3 áreas se desea participar (A-Feria, B-Muestra o C-Street Art)

La convocatoria permanecerá abierta desde domingo 1 al domingo 8 de marzo. La selección de las obras y de los artistas expositores se llevará a cabo el lunes 9 de marzo. El montaje de las muestras se hará temprano el mismo día del festival (domingo 15 de marzo).

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